En un mercado dominado por el arte conceptual, las instalaciones, el performance o el vídeo, David Hockney, el artista que fuera pionero en el uso de las herramientas digitales, ha revindicado, con su exposición “82 Retratos y Una Naturaleza Muerta”, que el selfie no mató a la estrella de la pintura.
El artista visitó Los Ángeles a comienzos de los años sesenta, y poco después fijó allí su residencia. Con frecuencia se le asocia con el sur de California y con las numerosas obras que produjo durante las décadas que vivió allí. A partir de 2004, Hockney residió varios años en Bridlington, representando el paisaje de Yorkshire a través de acuarelas y óleos, y también mediante películas y su iPad.
Este redescubrimiento del paisaje culminó en la exposición “David Hockney: una visión más amplia” que se mostró en la Royal Academy of Arts en 2012 y luego viajó al Museo Guggenheim Bilbao. Tras la gran exposición de paisajes David Hockney se alejó de la pintura, dejó su casa de Yorkshire y regresó a Los Ángeles. Poco a poco, y comenzando por una representación del jefe de su estudio, volvió a la tranquila contemplación que conlleva la pintura de retratos. A lo largo de varios meses, el género del retrato le absorbió totalmente, y comenzó a invitar a su estudio a diferentes personas de su entorno, familiares, amigos y conocidos, entre los que se encontraban trabajadores de su estudio, otros artistas, curators y galeristas.
En el verano de 2013 realizó la primera pintura de lo que se convertiría en un gran conjunto de 90 retratos. De ellos, 82 se expusieron en diferentes museos como por ejemplo en el Museo Guggenheim Bilbao.
Todas las obras realizadas en este período tienen el mismo tamaño, muestran al modelo sentado en la misma silla y con el mismo azul de fondo, y todos fueron pintados en el transcurso de tres días. No obstante, el virtuosismo pictórico de Hockney logra que las diferentes personalidades de los modelos afloren en el lienzo de manera cálida e inmediata. Esta exposición presenta los retratos realizados recientemente por David Hockney, con un renovado vigor, que ofrecen una instantánea íntima del mundo artístico de Los Ángeles y de las personas que se han cruzado en el camino del artista en los últimos años.
El artista admitió, antes de colgarlos por primera vez en la Royal Academy, que con el fondo y el suelo iba muy rápido, y aprovechaba el tiempo que se ahorraba en estas partes para trabajar más en la figura. Trataba de hacer lo que su maestro, Rembrandt: mover la mano, la muñeca, el antebrazo y el brazo a toda velocidad. El resultado es tan memorable como sus paisajes.
A Hockney no le interesa la exactitud, pero sí la fidelidad. De una de las retratadas, Dominique Deroche, escribe: “Dominique fue la secretaria de Yves Saint Laurent durante mucho tiempo. Ella no es exactamente así. Aquí está fantástica. Creo que capté parte de ella, pero falta otra parte”.
“Los famosos están hechos para la fotografía”, afirma Hockney. “Yo no hago famosos; la fotografía sí. Mis famosos son mis amigos”.
Hockney concibe estos retratos de forma colectiva, como un solo corpus artístico. La instalación plantea un recorrido cuasi-cronológico que permite realizar otro estudio psicológico: el del propio artista. Su estado emocional parece aligerarse a medida que avanza la serie, al igual que su convicción en el formato y el medio. Entre los modelos, todos ellos elegidos entre sus amigos, familiares y conocidos, se encuentran personas de su estudio, otros artistas como John Baldessari, y comisarios y galeristas como Larry Gagosian.
Cada retrato, resultado de una observación intensa, se convierte en una especie de análisis psicológico. Gracias al virtuoso tratamiento de Hockney, la uniformidad de los elementos clave de cada pintura acentúa las diferencias entre los distintos modelos, permitiendo que sus personalidades surjan del lienzo con una cálida inmediatez.
La tensión en las manos del marchante de arte y galerista Larry Gagosian denotan la impaciencia mientras Hockney perfilaba su retrato al carboncillo antes de iluminarlo con los vivos colores del acrílico. La pose extremadamente formal del hijo de 11 años de la artista Tacita Dean, Rufus, ataviado con el chaleco y la corbata típicos de los colegiales británicos, contrasta con los pantalones color rosa y corbata roja de lunares del sonriente cómico australiano Barry Humphries. Modelos jovenes con vestidos mínimos y zapatos de plataforma se exhiben junto a la seriedad del filántropo y coleccionista lord Jacob Rotschild, a todas luces demasiado alto para la silla.
Todos ellos integran el círculo más íntimo del artista y le arroparon en un momento de crisis personal y creativa. Hace tres años, y cuando ya llevaba una década reinstalado en su casa-estudio de Bradford tras la larga etapa de las piscinas luminosas de Los Ángeles, su asistente Dominc Elliott murió tras ingerir lejía en pleno éxtasis de drogas. El Hockney destrozado que decidió volver a California se fijó un día en la pose de aflicción de otro de sus colaboradores, Jean-Pierre Gonçalves, a quien acabó pintando reclinado hacia adelante, la cabeza escondida entre las manos.
Aquel episodio fue el germen de un proyecto que devuelve a Hockney a uno de los géneros que más le han interesado durante su prolífica producción, junto al de los paisajes. Mujeres y hombres, jóvenes y viejos, relajados o rígidos, sus personajes son también un reflejo de cómo nos vestimos hoy (apenas hay alguna corbata) y, sobre todo, de cómo nos mostramos a nosotros mismos.
